L'île satori
video and electroacoustic composition - 6"10
2023
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General presentation of the work
Based on my ink paintings, I am currently working on the interface between creative media and artistic disciplines. I have created this video using two of my ink paintings set to the music of Solitaire, an electroacoustic musical composition by Arne Nordheim (1).
The video montage treats the surface of the painted work as a cartography, like a landscape seen from the sky, which resonates with my painting technique from Japan, flat on the ground, flying over the surface and moving back and forth, towards and away from it.
Using Arne Nordheim's work as a starting point, and through an in-depth treatment of the sounds contained in the piece as concrete sounds, sampling, filtering and transformation, I have composed an original electroacoustic piece in which the original work is no longer discernible, just as my ink work disappears in the video treatment.
It is a work on raw material and its transformation, resonating with the theme of the work explained below.
The title is an anagram of Solitaire: île satori. It is a reference to Japan, where I received my pictorial training, but also to the meditative dimension that characterises the piece. As well as the reference to the archipelago, the idea of an island evokes a haven of calm. What's more, the Japanese word satori literally translates as ‘understanding’. While in Zen Buddhism this term can be understood as the concept of awakening, the dimension that seems important in relation to the theme of the video is rather the idea of ‘direct understanding’, not intellectual, but emotional, perceptive and intuitive of a reality, if we follow the analysis of the philosopher D.T. Suzuki. Suzuki (2).
Satori Island: an ecological abstraction
The work is presented as a journey through a landscape seen from the height of a bird in flight. It includes an implicit reference to the photographer Edward Burtynsky, who for several decades has been documenting human intrusion into the ecological balance through aerial images of industrial landscapes of strange and paradoxical abstract beauty.
The video unfolds in several stages. First of all, the viewer seems to be slowly moving away from a dark corridor lined with pale curtains. Then, little by little, the shifting blackness is revealed as a volute, before the viewer's gaze, freed of an unidentifiable blur, discovers ink splatters evoking an explosion or cataclysm. This first part can be interpreted as a journey through the blur caused by contemporary discourse, which blurs the legibility of nature and opposes its direct apprehension through its promotion of unbridled consumption associated with the forced domestication of flora and fauna.
A little further on, another blurring, this time digital, echoes the way in which the technicist vision has distanced us from a direct apprehension (see the idea of satori) of our environment. In particular, it echoes the omnipresence of screens in their function of distancing us from a direct perception of reality. The emergence of a DNA helix in the midst of digital interference suggests that the force of life allows it to make a comeback despite technology's attempts to erase it.
The video also plays on black and white, which symbolically echoes two dimensions of ecological disaster affecting the elements - a recurring theme in my artistic work. Firstly, the contamination of the water element, the oil spills, such as the Amoco Cadiz disaster, which soaked the oceans of my childhood with oil. These are symbolised by the movement of the black, undulating, oily liquid in the middle of the video.
Then there are the fumes of carbon monoxide or hydrocarbons, reflected in the sort of immense dark cloud that slowly emerges towards the end of the video.
The work ends with a trail of clouds: as they gradually dissolve into white, it casts a hopeful light on the theme, betting on the effects, at the end of the road, of a collective awakening.
The piece is intended to be immersive, meditative and atmospheric, and needs to be projected in a calm environment so that the spectator can experience these dimensions and emerge transformed.
(1) Arne Nordheim, Solitaire (1968) CD Label Rune Grammofon
(2) D.T. Suzuki Essays on Zen Buddhism, 3T, Albin Michel, 2003.
À partir de ma peinture à l’encre, je travaille actuellement sur l'interface entre les médias de création et les disciplines artistiques.
Par une mise en abîme des médias, j'ai réalisé cette vidéo partant de deux de mes œuvres à l'encre réalisées sur la musique de Solitaire, composition musicale électroacoustique d'Arne Nordheim (1).
Le montage vidéo traite la surface de l'œuvre peinte comme une cartographie, comme un paysage vu du ciel, ce qui résonne avec ma technique picturale venue du Japon, à plat au sol, par un survol de la surface et un mouvement de va-et-vient, rapprochement, éloignement.
À partir de l'œuvre d'Arne Nordheim, par un traitement approfondi des sons contenus dans la pièce traités comme sons concrets, échantillonnage, filtrage, transformation, j'ai composé une pièce électroacoustique originale où l'on ne peut plus déceler l'œuvre première, tout comme mon œuvre à l'encre disparaît dans le traitement vidéo.
Il s'agit d'un travail sur la matière première et sa transformation, résonnant avec le thème de l'œuvre expliqué ci-après.
Le titre est une anagramme de Solitaire : île satori. Il s'agit d'une référence au Japon où j'ai reçu ma formation picturale, mais aussi à la dimension méditative qui caractérise la pièce. Outre la référence à l'archipel, l'idée d'île évoque un havre de calme. De plus, le terme satori en japonais se traduit littéralement par « compréhension ». Si dans le bouddhisme zen, ce terme peut s'entendre comme le concept d'éveil, la dimension qui paraît importante au regard du thème de la vidéo est plutôt l'idée de « compréhension directe », non intellectuelle, mais émotionnelle, perceptive et intuitive d'une réalité, si l'on suit l'analyse du philosophe D.T. Suzuki (2).
L'île satori : une abstraction écologique
L'œuvre se présente comme un voyage à travers un paysage vu de hauteur d'oiseau en vol. Elle comporte une référence implicite au photographe Edward Burtynsky, qui documente depuis plusieurs décennies l’intrusion humaine dans l’équilibre écologique à travers des images vues d'avion de paysages industriels d'une étrange et paradoxale beauté abstraite.
La vidéo se déploie en plusieurs temps. Tout d'abord, le spectateur semble s'éloigner lentement d'un couloir obscur bordé de rideaux pâles, puis peu à peu, le noir mouvant se révèle être une volute, avant que le regard, débarrassé d'un flou qu'il n'identifiait pas, découvre des éclaboussures d'encre évoquant une explosion ou un cataclysme. Cette première partie s'interprète comme un voyage à travers le flou causé par le discours contemporain qui vient brouiller la lisibilité de la nature et s'opposer à son appréhension directe par sa promotion d'une consommation débridée associée à une domestication forcée de la faune et de la flore.
Un peu plus loin, un autre brouillage, numérique cette fois, fait écho à la façon dont la vision techniciste nous a éloignés d'une appréhension directe (voir l'idée de satori) de notre environnement. Écho, ici, notamment à l'omniprésence des écrans dans leur fonction d'éloignement d'une perception directe du réel. L'émergence d'une hélice d'ADN au sein du brouillage numérique laisse entendre que la force du vivant lui permet de faire retour en dépit de la tentative d'effacement qu'opère sur lui la technologie.
Par ailleurs, la vidéo joue sur le noir et blanc qui fait un écho symbolique à deux dimensions de désastre écologique qui touchent les éléments -thème récurrent dans mon travail artistique.
Tout d'abord, pour la contamination de l'élément eau, les marées noires, telle celle de la catastrophe de l'Amoco Cadiz, qui a imprégné de pétrole les océans de mon enfance. Celles-ci sont symbolisées par le mouvement de liquide noir, ondulant et huileux, au milieu de la vidéo.
Ensuite, les fumées de monoxyde de carbone ou d'hydrocarbures, reflétées par la sorte d'immense nuage obscur dont l'image se dégage lentement vers la fin de la vidéo.
L'œuvre se termine par un chemin de nuages : par leur dissolution progressive dans le blanc, il éclaire d'espoir le thème traité en misant sur les effets, au bout du chemin, d'une prise de conscience collective.
La pièce se veut immersive, méditative, atmosphérique et nécessite une projection dans un environnement calme, propice à ce que le spectateur expérimente ces dimensions et en ressorte lui-même transformé.
(1) Arne Nordheim, Solitaire (1968) CD Label Rune Grammofon
(2) D.T. Suzuki Essais sur le bouddhisme zen, 3T, Albin Michel, 2003.